Considerações sobre a “identidade tropical”

Raquel Villar-Pérez: Poderia nos contar mais sobre você e sobre como se tornou artista?

Joiri Minaya: Eu gostava de fazer arte quando era pequena, então minha mãe me colocou em aulas de pintura após a escola. Aos 14 anos me matriculei na Escola Nacional de Belas Artes de Santo Domingo, em um programa chamado “preparatório”. Eu frequentava o curso duas vezes por semana, depois da escola, principalmente para desenhar. Então, algum tempo depois de iniciar o preparatório, você tem que realizar um teste para entrar no currículo adequado a você na Escola Nacional de Artes Visuais. Falhei no primeiro teste, e então tive que fazer tudo de novo. Senti que esse foi o momento decisivo, quando soube que queria seguir uma carreira como artista. Tentei uma segunda vez e entrei. Lembro-me que essa época foi intensa, porque eu estava no segundo ano do ensino médio e tinha aulas de segunda a sexta-feira, como qualquer outra pessoa que estivesse cursando o ensino médio. O programa na Escola Nacional de Artes Visuais também era de segunda a sexta-feira, em torno de cinco horas todas as tardes. Basicamente passei os últimos três anos do colégio frequentando duas escolas.

RVP: Notei que a presença de corpos femininos permeia sua prática multidisciplinar. Tenho curiosidade em saber mais sobre a representação da forma feminina em seu trabalho e sobre como você se interessou por tornar essa representação tão visível em suas práticas.

JM: A primeira coisa que vem à mente é apenas a experiência de ser uma mulher no mundo: isso faz você perceber que não há muita representação ou pelo menos uma representação justa. Na verdade, o corpo da mulher é geralmente objetificado ou entendido como objeto decorativo. Grande parte desse processo de inclusão do corpo feminino no meu trabalho tem a ver com tomar as rédeas da minha própria representação.

O que eu também buscava era chamar atenção para a convenção do retrato. Quando comecei a estudar arte, havia muitos retratos e representações da figura humana. É um assunto permanente dentro da criação de imagens. A arte de retratar mulheres teve a ver com a minha experiência como mulher no mundo e especialmente com a minha experiência como migrante nos EUA e com a experiência de hipervisibilidade com a qual os imigrantes lidam. Sinto que desde meu início nas artes gravitei sempre em torno dessa análise da representação dos corpos das mulheres e também da paisagem.

RVP: Vamos falar sobre as referências às paisagens. Há muitos símbolos em seu trabalho que lembram a natureza. Por que você sente necessidade de abordar a natureza em suas obras?

JM: Sempre me interessei pela natureza. Quando eu era criança, sonhava em me tornar bióloga ou bióloga marinha quando crescesse. Acho que a experiência de viver em uma grande metrópole nos EUA fez com que essas ideias ressurgissem no meu trabalho. Além disso, viver fora da República Dominicana e perceber que muitas vezes nossa identidade é interpretada através do prisma do que foi apelidado de natureza “tropical” me faz querer refletir sobre o que isso significa. Investigo a história da representação da natureza tropical através das lentes do colonialismo e vejo como algumas dessas ideias sobreviveram e como elas se derramaram sobre os corpos. Essa relação entre corpo e natureza está muito presente no meu trabalho porque ambos são exercitados, consumidos e explorados de maneiras que se relacionam entre si. Embora mais recentemente, estou começando a abordar esses temas de um ângulo diferente dos discursos pós-coloniais, pensando em como podemos nos relacionar com essas questões de uma forma mais agradável, e não apenas através de todo o trauma do colonialismo.

RVP: Você pode ampliar a ideia de “identidade tropical” e de como o Caribe aparece na imaginação do mundo exterior, mas também do povo caribenho?

JM: Nos últimos dois anos, foquei em entender como essa noção de “tropical” é representativa, tanto para os forasteiros quanto para o povo caribenho. Tendo crescido lá, acho que há paralelos em como os espaços são retratados.

Notei que nos últimos anos a “camisa havaiana”, por exemplo, esse tipo de camisa com estampas “tropicais”, tornou-se muito popular nos países ocidentais. Então vou para a República Dominicana e noto que há pessoas de classe média, jovens e descoladas, usando essas mesmas roupas. Acho isso muito interessante pois, quando eu era mais jovem, esses códigos visuais eram restritos à construção de espaços tropicais através de resorts; era mais próprio do uniforme de um resort ou de algum tipo de serviço que tivesse a ver com turismo. Agora se tornou essa coisa legal e moderna. Parece ser um fenômeno mundial, e estou interessada nos paralelos e em como ambas as direções se comunicam ou se sobrepõem.

Em termos de construções do espaço tropical, acho que a forma como esse espaço foi visualizado durante o colonialismo teve muito impacto na imagética que ainda prevalece hoje. Existe uma literatura que me ajudou a entender isso, como por exemplo An Eye for the Tropics, de Krista Thompson, e Picturing Tropical Nature, de Nancy Stepan. Embora as duas autoras tenham construído suas análises no Caribe de língua inglesa, vejo muitos paralelos com a República Dominicana.

RVP: Como você percebe a cena artística caribenha (caribenha é uma simplificação) e particularmente na República Dominicana? Você acha que há uma cena de arte caribenha fora da região?

JM: Para responder à primeira parte da pergunta, para mim a cena artística caribenha é super rica. É muito diversificada. Sinto que faltam plataformas de visualização e estruturas de sustentabilidade no sentido de ter uma base de colecionadores e museus que realmente tenham impacto na cena local etc. Mas há tantos artistas fazendo um trabalho incrível.

Com a internet, há muitas conversas acontecendo ao mesmo tempo sobre os mesmos temas, em diferentes locais, e é interessante ver o que está sendo dito em outros lugares e o que isso faz com a cena artística. Você não pode mais ficar isolado de conversas sobre os legados coloniais, ou sobre racismo, ou classismo.

RVP: Última pergunta: como você acha que a pandemia afetou os artistas do Caribe, e quais são as estratégias para superá-la?

JM: A pandemia definitivamente impactou os artistas no Caribe, principalmente em termos de oportunidades de produzir trabalhos. Parece que muitos artistas não têm um sistema sustentável para fazer arte, nem para manter o engajamento em conversas artísticas, nem para montar exposições coletivas ou individuais por conta própria. Em vez disso, tornou-se claro que essas oportunidades são impulsionadas por museus ou instituições. Fora desse universo, existem algumas galerias comerciais, e artistas afiliados a elas estão conseguindo superar a situação. Tem havido também obras comissionadas e, em particular, muitos murais comissionados recentemente, embora você possa interpretar isso como vontade das autoridades de preencher espaços vazios.

Raquel Villar-Pérez é escritora espanhola especializada em arte e curadora baseada no Reino Unido.

Tradução: Cláudio Andrade